我迷失於四百擊的最後一眼

如果有人問我說我心目中最棒的愛情電影是哪部，我會說是Richard Linklater的兩部愛在系列電影。1995年的《愛在黎明破曉時》描繪了傑西跟席琳在火車上相遇邂逅，接著一同結伴共遊著維也納這座城市，到了黎明兩人分手之前，相約半年後在維也納再見面。九年之後，Richard Linklater拍了這部電影的續集《愛在日落巴黎時》，九年後的傑西跟席琳重逢於一個位於巴黎的小書店，兩人試著快速交換著的彼此的近況，兩人的生活與工作，但九年的時間過去了，兩人都有了許多的不同，對感情的看法也更加成熟，他們還會如同九年前的年輕人一樣墜入愛河嗎?兩人之間的感情是否有機會繼續延續呢?

我想我得稍微抑制自己的心情，因為這個系列電影真的是太棒了!尤其是即將在台北電影節登場的愛在三部曲的連映，讓像我這種愛在系列的死忠影迷，真的是迫不及待又很怕受傷害。在北影的前幾天，稍微回過頭談談這兩部經典的愛情電影，是很棒的一件事。我想這兩部電影之所以能夠讓許多人有所共鳴，就在於他的簡約與真實的敘事方式，另外就是隨著時間更迭的看待愛情變化，不同於其他愛情電影努力的去強調激情與戲劇性，愛在系列只依靠兩位演員的表演與機智的對話，描繪愛情的可能、發生與樣貌，夾雜在兩人對話之間的意見相左，更是展現了不同兩人彼此的看法與交錯，讓愛情與關係有著更多的討論性，更具真實性。但更厲害的是Richard Linklater並不因此讓浪漫與真實有所衝突，在其出色的敘事下還原了戀情真實的樣貌，卻也因為一夜之間或一個下午的可能與變化，從《愛在黎明破曉時》到《愛在日落巴黎時》譜出了一段使所有影迷緊緊相隨的戀人絮語。

1995年的《愛在黎明破曉時》描繪了兩個年輕的陌生人邂逅的過程，整部電影大多數時間都只是兩人之間的對話與討論，導演採用這樣簡約的敘事方式，不依靠戲劇性而只是讓觀眾跟隨著兩人的對話伴遊著維也納，不僅真實刻化的兩個陌生人相遇從有好感到有感情存在的過程，更透過兩人之間的對話去辯證愛情。也許是兩個人都仍舊年輕，兩個人之間的氛圍極其特別，彼此不急著綁住對方，而是與彼此分享自己想要的人生，自己的愛情觀，彼此相互挑戰對方的觀點。那種年輕時所追求的浪漫與自己的理想，在這部電影盡顯其中，透過對事物的不同看法，道盡現實與浪漫之間的落差，整部電影確實是相當的好看且迷人。不過對我而言，這個系列的電影能夠讓我喜愛的主要原因是2004年《愛在日落巴黎時》這部續集的產生。

這部系列電影對我而言，其最為讓我讚嘆的地方就是時間性，過了九年之後，彼此有了不一樣的生活，兩人再一次面對有著更多也不一樣的感受，誠實的面對在時間下，在現實中，不得不面對或產生的問題與變化。年輕時候的看法與浪漫，到了已屆中年的兩人，有著不一樣的意義，兩人如今再一次的重逢，內心抱著期待卻又時分不確定，九年前的一晚對彼此又有著什麼樣的意義。相對於前作《愛在日落巴黎時》顯得更為簡約，長鏡頭的使用更加凸顯，但是由於其時空背景，在兩人之間的對話，與九年前相比，有了對照更加顯得成熟，有著更多不同的體悟，不同於年輕時對人生抱持著強烈的期待，生怕長久的相處會抹煞之間的感情，然而在《愛在日落巴黎時》兩人之間的小心翼翼，與彼此對生活對愛情的看法，反而更顯一種珍惜與可貴的氛圍。在第二部電影中，我們看到人生際遇的遺憾，無論是對愛情的失落或是婚姻的失望，反而更對比出了那一晚的浪漫與珍貴，那一晚有何意義?在九年前的一晚，兩人又付出了什麼?這部電影留給觀眾無限思索的餘韻，讓人有著無比美好的想像，對未來，對兩個人之間，對愛情有了更加深層的了解與想法。

導演與兩位演員之間的組合堪稱是完美的三角組合，隨著時間的過去我們也看到伊森霍克與茱莉蝶兒之間的變化，這是他們一部份的人生，而我們觀眾就像是參雨著一部分。這種感覺就像是一個旅程，隨著傑西與席琳共游著城市，交織著機智的對話與深刻的感情探討，這個系列電影之所以能成為許多影迷之間流傳的佳話，是可以理解的。你也很難不對這對情侶有所共鳴，因為他們所面對的宛如是你我的人生與感情，每個部份都有令影迷深深感動的地方。又一個九年過去，隨著電影的時間，作為觀眾的我們也同樣共度了一個九年，九年之後會如何?不知道，但也相當的期待。畢竟都跟到這裡了，只想繼續隨著傑西跟席琳的腳步，也許有遺憾，也許很現實，不過正因為其面對著人生課題，人生中的重要感情，更顯得浪漫與真實，讓人對這對永遠在鬥嘴的情侶有著無限的嚮往。

《在愛裡》是一部很有餘韻與深度的電影，即使是在看完兩三天後，不時也會想起電影的某個部份。劇情描述一對同志伴侶Joey與Cody，以及Cody的六歲孩子Chip，三人共同生活在一起，組成一個家庭。在一次意外中Cody意外喪生之後，joey努力的想好好面對生活以及照顧好他們共同輔養的孩子Chip，然而卻得知Cody的遺囑尚未更新，將Chip的監護人指定為Cody的姐姐，Joey也因此與姊姊有所衝突。在一次的感恩節假期，Joey帶Chip去Cody的姊姊家，卻也因此再也見不到Chip。

這部電影非常有意思，我不光是說它的劇情，其實整部電影更讓我驚喜的是它的形式。這部談論同志家庭與家庭價值的電影，光是片長169分鐘這一點就相當的驚人，影片鏡頭上的處理大多竟然都是長鏡頭。光是這兩點可能就嚇壞了不少觀眾，因為鏡頭一長，觀眾很容易失去注意力，長鏡頭的電影普遍又都會比較悶，片子一長真的沒幾個人受的了。不過《在愛裡》一點都沒有上兩點的問題，首先導演在影片氛圍上的處理，雖說幾乎都是長鏡頭，然而情感的飽滿度卻相當的足夠，不僅頗能抓住觀眾的吸引力，同時也透過演員細膩的演出或是一些逗趣溫柔兼具的感人對白，使得整部電影並不因為他的鏡頭以及片長而沉悶，更有意思的是這樣的形式反而使這部電影更上層樓。

導演的構圖相當厲害，能夠僅只單單透過構圖就將故事與情感傳達的十分清楚，也因為是長鏡頭的使用方式，許多生活細節也因此放大，讓整部電影相當的細膩，步調也不溫不火的讓我們感受藏在影像中的情感，溫柔的讓人為之鼻酸。《在愛裡》根本就沒打算營造任何的戲劇張力，而是透過畫面、生活細節以及過去的回憶，溫柔又細膩的說出這整個故事，以及背後能令所有觀眾認同的價值，《在愛裡》給我的感覺就像是完全不想浪費掉任何一絲一毫，每一個鏡頭都飽滿不多餘，緩緩的說出導演所想談的所有內容，以最真摯且直覺的情感，讓人肯定影片中的家庭價值。而最後面的一場法庭戲，大概是這部電影最具有張力的一場戲，Joey緩緩訴說一切，透過整部電影的細膩鋪陳，讓人完全感受也認同這部電影所想要表達的情感與價值，很有味道而且讓人很感動，同時也因為與前面細膩緩慢的鋪陳作對比，這一場法庭戲具有讓所有觀眾為之落淚的能力，所激起的情感也因此更顯強烈。

這部電影說簡單，但也很不簡單。因為它訴說的情感是很直覺的，導演用一種很緩慢的方式讓感情的力道與氛圍，緩緩的從影片透露出來。而且影片有許多鋪陳感情的角度幾乎都從角色的背後拍攝，透過長鏡頭細節的放大，表演與情感的張力才能延展到最大。在觀看《在愛裡》的過程中，很難不擔心這樣的片長會不會使有些地方會顯得累贅或是多餘，不過《在愛裡》的企圖心很大，它的內容與想談的東西非常的多，導演的處理方式是讓這整部電影很穩健且仔細的一步又一步的談論到許多的命題，不單單只是帶過或是提點，而是非常認真仔細的說出每個部份的故事與內涵。我個人覺得很有意思的一點是導演除了描述著Joey在失去摯愛之後的生活之外，也透過回憶鋪陳了Joey與Cody之間的感情的產生，同時影片也並未落入俗套，Cody在影片的設定中並非一開始是同志，也並非是什麼隱藏性向之後再出櫃，影片在經營著兩人之間的感情的時候，其實是很單純的，兩人的感情是因為彼此喜歡，喜歡有彼此的陪伴，單純以情感作為最有利的說服，我很喜歡兩個主角之間淡淡的情感流動，導演並不是要拍一部充滿議題的電影，而是一部忠於人類情感的電影，無論是家庭議題或是同志議題，導演都沒有過度的議題化，導演只是單純的將故事講了出來，而這故事的情感是讓所有人都能夠有所共鳴的。

這部電影片長會長168分鐘的原因也就是因為導演選擇這樣非常仔細的鋪陳與拍法，而且導演也表示並不想放棄任何一部分。以人類很直覺的情感，談論著同志家庭的可能性，家庭價值的再擴大，我很受這部電影感動，單純卻相當的有深度，簡單卻非常的突破，《在愛裡》是我目前為止在金馬影展所看的電影中，最超出我想像，也給我最多驚喜的一部。

以《斷了氣》為代表作，向來走在電影最前端的新浪潮大師高達，2010年入圍坎城一種注目的新作《電影社會主義》讓我期待了好久。這部電影百分百真的是那種孤高自賞的電影，我的意思並不是要批評他，而是年過七十的大師，最近的新作卻是完全摒棄故事線，破碎的影像，破碎的音樂，以獨特的前衛或對立(或敵對?)的態度拍出了這部百分百的實驗電影。在當代來講，高達依然是很有個性，依然相當叛逆。雖說非常實驗，但影片表現出來各式各樣給予我的想法，卻也是相當的多，有機會的話會很想再好好的看一次。

所以《電影社會主義》在講什麼呢?說真的，我覺得我大概只了解百分之三十吧!影片剛開始宛如聚焦在一座郵輪上，在這郵輪上有著各式各樣的人種，不同的職業，對我而言宛如是一個世界或是社會的縮影一樣，而這些支離破碎的影像，像是一種切面，在我的感覺看起來，高達像是要我們從中看到某種人類的真實樣貌，好比說資本主義，從中可我們可以從一些賭場的片段猜測，也許資本主義就像這些在賭場裡賭博，每個行為模式都一樣的人，以錢追逐著錢，同時我也因為看到許多郵輪上人們充分的享受快樂安逸，這是否包含著諷刺呢?人類就是這樣單純，一成不變，如同社會主義的縮影嗎?抑或是人類只能永遠只會重複著同樣的事，所以歷史上才會戰爭不斷，因為我們從來學不會教訓?

基本上，《電影社會主義》並不見得告訴你些什麼，因為一部電影的詮釋方式因人而異，很有可能就像我一樣腦袋不停的胡思亂想這些東西，對我而言觀看高達的這部《電影社會主義》不僅特別，因為高達的影像與敘事功力，你很難不去想如戰爭、歷史以及宗教，然後是這些事物與人的關係，對人又有怎樣的意義，而在這冥冥之中是否人類的行為有怎樣的模式呢?怎樣才是自由，這些影像裡的人是自由的嗎?這些問題很難有答案，腦中也有許多的問題等著觀者去釐清，這是觀看《電影社會主義》最大的樂趣，觀眾本來就不應該只是被迫的從畫面去接收訊息，而更應該主動去理解去詮釋。

高達這位在影壇占有一席之地的大師級導演，時至今日的他卻拍出了像《電影社會主義》這樣的電影，我個人覺得這點很有意思，就在現今電影技術大步往前，高達卻依舊高傲的拍出了這樣一部艱澀難懂的電影，我總覺得這位老導演簡直就在逼現今已經麻木的觀眾不停的思考，我們很容易被好萊塢的罐頭電影給侷限了我們的眼光，這就導致了我們很容易去排斥一些形式非常特別的電影，但高達提醒了我們有這樣一種很特別的電影存在，電影並不是只有一種可能性，而是非常的豐富，電影媒介的可能與豐富性，是我熱愛電影的一大原因。同時影片依舊有高達喜歡的社會性，電影依然可以反映人類，而不會只是單單的娛樂、工業或是藝術作品。高達的《電影社會主義》就像是一部關於人類、社會、歷史與宗教的寓言，其意義與特殊性都值得熱愛電影，尋求電影諸多可能性的影迷來看。

《電影社會主義》有片商引進，我推薦各位有興趣的影迷千萬不能錯過，只要你能耐住性子敞開心胸，也許你能夠從這部特別的電影中找到屬於自己的觀影樂趣。我在看的當下，腦中浮現的許許多多的想法，讓人看的真的腦袋真的很脹，卻又讓我相當的滿足，反而一點也不沉悶，我從這部電影得到了很多的觀影樂趣，非常特別。

對於熟悉或喜愛三池崇史的電影的影迷們，《愛與誠》絕對是一道不可錯過的佳餚。這部電影改編自梶原一騎的漫畫而成的，描述富家千金早乙女愛因為小時曾被主角太賀誠救了一命，就因此認定了他是白馬王子，然而長大後的意外相遇，太賀誠卻是個打遍天下的不良少年，早乙女愛為自己的心上人，不惜動用家裡財團勢力幫助誠轉入高等學校，即使誠對他惡意相向也澆熄不了她的愛情，這個千金與不良少年之間夾雜著暴力、瘋狂與純純的愛，會有如何的發展呢?

這部電影用一句話來形容就是純愛撞上《漂撇男子漢》(這也是三池崇史的作品)!妻夫木聰飾演的誠其實就很像《漂撇男子漢》的風格，一貫的三池崇史的誇張暴力美學，不僅有著漫畫的熱血感，也有電影痛快淋漓的暴力美學，這部份很典型的三池崇史風格，但比較驚人的大概是這部電影那突如其來的歌舞場面吧!先是一開場，妻夫木聰面對著一大群混混，然後就開始邊對峙邊開始起舞唱歌，更好笑的事竟然邊唱歌邊打鬥。這是三池崇史的特別之處，這位大導向來風格就頗突出，許多特攝片或是推理小說都有被他改編上大銀幕，但他的改編從來就不單調，總會加入新的元素使之能夠更有電影感，甚至是更為獨樹一格。我認為他是非常厲害的導演，看他的電影通常都不用擔心會被原著綁手綁腳的，或是因為其它因素而使電影感喪失，以《愛與誠》來說，三池崇史柔化了這個題材，同時也加入歌舞場面，更選用復古音樂來搭配，怪上加怪，反而好看極了!

這些突梯又誇張的歌舞，不僅幫助塑造角色，更加強了三池崇史的惡搞風格，而搭配的70年代的歌曲，更是讓人捧腹大笑。即使三池崇史有這麼多的花招，這部電影並不因此而顯得輕鬆，乍看是誇張搞笑的設定，但名導依舊是名導，感情或是美學風格並不因此打折扣。無論是那些暴力或是血腥的打鬥，依舊讓人看的很痛快(或單純很痛)，裡頭對這些青春熱血年少背後殘酷命運依舊有著深刻的描繪，女主角的純愛在後半段也禁得起三池崇史暴力美學的對待，意思是這些漫畫式誇張不合理的橋段是禁得起感情的考驗，這也就讓《愛與誠》的純愛具有能力去感動觀眾而非僅止於膚淺，這些暴力與殘酷的描繪也都是青春少年少女反撲自己命運的一種方式，而不單單只是為打而，為風格而風格，內在的肌理與感情是豐富的。三池崇史不太講什麼大道理，但他從來就不膚淺，也很有才華。

妻夫木聰人都三十歲了，還是能夠演高中生呢!這部電影的演員們都很認真，武井咲飾演的女主角傻傻的，非常純愛，但後半段的急起直追，讓人反而很認同她呢!很多的青春演員在他的電影都很容易有突破，拜角色鮮明所賜，也能給這些演員們有著極大揮灑的空間，卻也不會被他的電影風格掩蓋過去。《愛與誠》對我而言，是很典型好看的三池崇史作品，有其突破性與創意性，卻也不會過於邪典，熱鬧豐富的內容都稱的上好看。很喜歡片頭與片尾的動畫設計，甚至有一段是用紙板簡陋打造的的風格，有一種怪誕詭異的感覺。看他的作品會很有驚喜，絕不會無聊。

雖說熱鬧好玩，不過畢竟是名導的電影，還是要有一些心理準備，因為它畢竟是有內容，有想傳達的東西，有想挑戰觀眾的東西。不枯燥，也極富創意，《愛與誠》很適合剛接觸三池崇史的影迷看，有些部分對一般的觀眾而言雖說仍然很有挑戰性，不過只要你能夠接受他的話，應該是能夠看的很過癮的!!

坦白講，《安娜‧卡列妮娜》是一部很有可看性的作品，但卻不能算是一部出色的電影。是我對導演喬萊特寄望太高嗎?可能吧!不過我真的不認為《安娜‧卡列妮娜》稱的上是他最好看的作品。喬萊特一貫驚人的攝影機運動，加上神乎奇技的場面調度，在《安娜‧卡列妮娜》裡頭所做出來的表現非常讓人佩服。電影讓所有的角色或劇情大多數時刻都圍繞著整個劇院上上下下而走，《安娜‧卡列妮娜》突破了場域的侷限，這點讓我很激賞!然而我卻也很難忽略這些美麗又神奇的轉場背後，是否有其必要性，同時影片劇情給予我的感覺，只有消化不良，而未給予我《傲慢與偏見》與《贖罪》同樣的神采。

作為風格回歸古典的作品，喬萊特的野心相當的明顯，好比說影片中一幕描寫飾演的女主角Anna Karenina在舞會上與年輕的軍官Vronsky之間的熱情，隨著兩人的起舞，周遭舞會的其餘人士的動作從暫停接著又隨之起舞，然後鏡頭流暢的穿梭於舞群之中，接著舞會上的所有人消失，只剩下兩人。這個場面直接讓人聯想到《傲慢與偏見》中兩個主角的第一次舞會戲，同樣也是眾人消失只剩下主角們彼此，也就是說當時同樣的手法，到了《安娜卡列妮娜》有了更上層樓的表現，更神奇的場面調度，也將之濃縮成一顆鏡頭就呈現的手法，不僅標示出了喬萊特一貫的風格，更展露了這位導演的才華與野心。

但這次的回歸我卻覺得無論是情感的細膩度或是深刻，都遠遜於他之前的作品，這是因為題材內容的問題嗎?有可能，因為Anna Karenina的角色眾多，無論是Anna的哥哥Oblonsky與妻子的描繪，或是刻意拉出來的另一個支線，一位年輕地主的愛情路程，看起來都只是陪襯或是與主線去做比較。我很喜歡的Matthew Macfadyen與Kelly Macdonald感覺都浪費掉了，還請來Emily Watson飾演一個伯爵夫人，卻也不見其特別之處，無論是礙於篇幅或是故事，我都覺得這些演員能發揮的空間也相當有限。我還蠻喜歡在Keira Knightley以及Aaron Taylor-Johnson之間的愛情戲，有幾幕相當的動人，也讓人感受到強烈的愛，但細膩度與雋永度都遠疏於我個人比較喜愛的《傲慢與偏見》。

影片的美術與攝影應該是《安娜‧卡列妮娜》的特出之處了，那些華麗的美術設計，將整個劇院包裝的不僅美輪美奐，也幫助了影片的特殊形式。劇院的對應著整個俄國的設計，讓人從單單的場景就能體會到俄國歷史的奢華與衰退，隱隱約約也能夠感覺的出來整個舞台的設計也都與階級相對稱。然而華麗的場景與炫技般的攝影機運動，其實也意外凸顯了劇情上與演員表演上不相等的表現，那些繁複與特殊的鏡位，讓人佩服，但對影像的內容沒有太多的感動。徒留驚嘆，卻少了深刻。

《安娜‧卡列妮娜》依然很有可看性，因為它的形式與美術設計，更因為整部電影的企圖與野心。在上一次喬萊特的作品《少女殺手的奇幻旅程》也有劇情上的失誤，然而我依然給它高評價，因為他的創意與突破。這次的《安娜‧卡列妮娜》對我而言，像是一個重整與回歸，無論是選材或風格皆是如此。雖說失望，但依然有可觀性，雖說可惜，卻也依舊期待他的下一部作品。

《醉生夢醒》是一部很典型的美國獨立製片。劇情描述小學老師凱特，在一次意外宿醉嘔吐在課堂教室被學生誤會為懷孕之後，決心要重整自己的生活，下定決心戒酒，然而面對著每天藉酒尋歡的丈夫，以及面對學生與同事們越扯越大的謊言，凱特真能夠成功擺脫酒精嗎?這部電影篇幅相當的短(片長只有81分鐘)，但是劇情飽滿簡潔有力讓我認為這是它的一大優點，編導把握住想談論的內容，透過演員出色的演出，不時幽默的劇情以及細膩的描繪，成功了表現酗酒的失控與戒酒後如何面對新生活及伴侶的心境。

這部電影的成本僅僅50萬美元，卻吸引了演過《絕命終結站》以及《歪小子史考特》的Mary Elizabeth Winstead，不計形象的演出此片的酗酒女主角，這個角色並不討喜，因為這部電影前二十分鐘，就把女主角的瘋狂行徑表現了出來，整個廳內就是不停的驚呼"好誇張"之類的聲音，少了以往的青春甜美形象，多了許多的坦蕩與讓人眼睛為之一亮的表演張力。演員卡司中最大咖的應該是才剛以《姊妹》拿下奧斯卡女配角的Octavia Spencer，她在片中飾演凱特的戒酒導師，其中一場坦承自己過往的荒唐行徑輔以幽默台詞的戲，就讓觀眾被她逗的哈哈大笑，戲份不多卻相當搶眼。為什麼要談演員卡司呢?因為美國獨立製片經常是提供大咖明星或是企圖轉型的演員有所機會發揮在主流大片中難以被窺見的演技的一個地盤，光是這部電影僅僅只有50萬美元的成本，卻又有這樣的卡司，無庸置疑的必定是劇本夠吸引人，同時也是一個能夠讓演員一展演技的好機會，尤其是Mary Elizabeth Winstead演技真的讓人刮目相看。

《醉生夢醒》很有意思的是它並不談論要戒酒多麼的辛苦，而是談論真正的辛苦是在戒酒之後依然要面對的生活的難題，好比說影片中這一對每晚藉酒尋歡作樂的夫妻，在女主角凱特戒酒之後，卻面對依然不變的丈夫，彼此的摩擦隨著戒酒之後更加的明顯。我印象很深的一件事是大部份的人對戒酒聚會的不屑，因為固有觀念作祟，不認同也不認為這樣的聚會能夠真的戒酒，同時還有社會上對酗酒的人所擁有的歧視，尤其是在凱特對著小學校長坦承酗酒毛病之時，校長的語氣立即變化這一點看得出來。似乎我們把失敗者或是不負責任直接與這些戒酒人士劃上等號，而並未提供真正的協助，無論是沒有酗酒毛病的人或是酗酒的丈夫，兩者都並未真的幫助到凱特。同時影片也闡釋出戒酒的人與酗酒的人幾乎是等同於兩個世界的人，影片中凱特的媽媽就因為過去丈夫戒酒之後就拋家棄子，而不贊同凱特的戒酒行為，兩夫妻之間的問題也隨著影片的進行越顯嚴重，戒酒後並不代表生活就會比較好，因為每個人都依然有著生活上的問題得面對，這部電影所傳達出的這個訊息讓我很感慨，也很多的想法。

即使是清醒著面對最糟的情況，也好過喝醉時最好的情形。這句來自電影的一句話說明了戒酒人的體悟，戒酒之後，凱特不再不知名的地方醒來，不用面對宿醉，然而生活也不一樣了，與丈夫的疏離與裂隙，面對新生活的心境，兩人的關係是否能夠一如既往，影片的最終留了一個很好的餘韻，我很喜歡。這部電影簡單又有內容，不艱澀但很深刻，出色的劇本給予演員揮灑的空間很大，尤其是凱特在戒酒聚會的兩場告白，就相當讓人感動，她與飾演丈夫的Aaron Paul彼此之間的對手戲，非常好看也有張力，從一開始的尋歡作樂到後來的爭吵，相當的有層次。這部簡單的美國獨立製片，很推薦給初階的影迷觀看，《醉生夢醒》是一部各方面都有一定水準的佳作。

評分:★★ (average)

《熊熊遇見小小鼠》不僅是一部出色的動畫，而且也兼具樂觀正面以及教育的精神，讓這部實質上內裡可以說是有點硬的電影，透過童趣的手法與角度讓小朋友有所學習與了解，而大人也能夠細細品味這部動畫所闡釋出關於偏見、階級與藩籬的故事。影片描述熊與鼠是兩個不同的階級，彼此是不可能成為朋友的，在一次因緣相遇相助之下，Ernest遇見老鼠Celestine，兩人同時也因為盜竊而被兩邊的警方給追緝，一熊一鼠一同逃亡，也彼此產生出真摯的友情。

《熊熊遇見小小鼠》的手繪風格，除了展現出一種質樸的質感之外，更令人驚喜的是在動畫裡頭所呈現出的流暢度。尤其是一場用動畫表現音樂的部分就讓人相當的激賞，不僅並未讓風格就只是風格，而是使電影的動畫風格也能成為一種敘事方式，甚至是影響劇情，尤其是一場熊熊與小小鼠為了掩藏住偷來的卡車，所產生的點子就讓人覺得有趣又幽默，令人拍案叫絕。同時這樣的質樸風格也間接的柔化了這部動畫內容可能產生的尖銳，使得大人看的心花怒放，小孩子也能看得開心 ，《熊熊遇見小小鼠》真的是一部相當可愛的動畫。

《熊熊遇見小小鼠》乍看之下可愛，但內容卻是相當的不簡單，因為它描繪了兩個彼此為敵的族群，彼此各有各的偏見，而這對不應該做朋友的Ernest以及Celestine又如何化解兩邊族群的敵意，讓他們的友情能夠繼續下去，便是一大課題。而且兩個主角所要面對的排擠，在影片當中也都有所呈現，這樣的一個寓言完全可以放到現今社會的各個層面上。《熊熊遇見小小鼠》用了許多幽默又感人的橋段，讓這段友情能夠理直氣壯，面對來自兩邊的指責也能夠依然保有珍貴勇氣，尤其是後半段面對著兩個族群的法官，控訴司法的不公(笑)並且誠懇道出心裡的真實感受，真的蠻催淚，也讓人拍手對這對奇特的搭檔叫好!!

我很推薦喜歡看動畫的人去看《熊熊遇見小小鼠》，因為我認為它的動畫技術相當的出色，具有一定的成績，尤其是它的表現風格，對喜歡作畫的人應該能夠有所幫助。至於劇情面不用擔心小孩看不懂，也不用擔心大人會看到睡著，那些奇妙又迷人的橋段與雅俗共賞的情節，從看完之後到今天，一想到電影的內容，心情依然是相當的感動。

評分:★★★ (good)

天啊!我真的沒料到《拼貼幸福》這部電影能讓我看的這麼的投入，讓我今年的影展才剛開始看第一部，我就已經落下了不少眼淚。《拼貼幸福》在很多方面都很深得我心，無論從劇情、攝影、表演到音樂各個方面，我都認為這部電影都有不俗甚至是出色的表現，這部乍看之下很小品的電影，帶給我非常多的驚喜，從前半部極度迷人的生活片刻逐漸的堆砌，後半段的張力拉出了重擊人心的劇情，在破碎、蹣跚且傷痕累累的生活中，體認到難過與悲傷，也體認到快樂與幸福。

《拼貼幸福》大致上以女孩skunk為主角，同時輻射出她自身周遭的親人以及兩個鄰居家庭的親子問題。光是一開場將不同時段的女孩樣貌相互拼湊起來的手法就相當的吸引著觀眾的目光，隱隱從這些破碎的影像中，暗自猜測著之後可能發生的劇情，也為後來的發展埋下伏筆。一開始便是一場兩個鄰居家庭的摩擦所衍生的暴力事件，透過敘事上的重新拼湊，看到兩個家庭的縮影與問題，因為一個謊言竟將兩個家庭的問題與困境都撕扯了開來，在一旁的女孩將這一切看在眼裡，她的律師父親只能從旁給予建議，也無法介入別人的家庭，同時她們自身的家庭也有其問題的一面。

很喜歡導演並不刻意去營造劇情的表現手法，大多數時候都是生活片刻的捕捉，除了表現出各個家庭的樣貌與問題之外，主角自身的遭遇與她的家人生活都拍的十分迷人，尤其是演員之間的互動相當的自然。這些生活片刻，有時快樂，有時悲傷，這讓影片處在一種很特別的氛圍，整個氛圍是相當的輕快迷人，不時也有能讓所有觀眾幽默大笑的橋段，但是隱隱當中卻又有一絲絲的難過，來自於生活的不順意，來自家人之間的摩擦，導演不刻意去區別兩者，而是讓這兩種情緒交融在這部電影之中，不衝突反而讓我感受到一種生活的韻味，因為人的生活本有快樂與悲傷的時候，如同影片中父親對女孩講的故事。

很驚訝於這部電影後半段的後座力，因為在前面這些生活細節的描繪，在後半段的相互作用下產生了極大的張力。這些意料之外的劇情，真的是讓人看的非常搥心肝，越看越難過的情緒在我觀影之後依然迴盪不已。因為這部電影所描繪的都是我們生活上，每個平凡如你我的人都會面臨到的問題，無論是因誤會或是暴力所衍生的問題，或是我們個人的感情挫折，抑或是親子關係之間的緊繃，這都是我們很難以避免的會有的困境，有時壞事就是會發生。《拼貼幸福》不逃避這些難過的事，反而細膩的呈現這些藏在生活中的難題，透過女孩的眼光看待這些生活中的消長，看見人在困境中的無力，家庭關係的脆弱，更重要的《拼貼幸福》雖描繪殘缺描繪破碎，但我認為它也描述了許多淡淡的美好與快樂。

《拼貼幸福》某方面看起來真的是一部奇片，它有新銳的手法與神采，不過卻有成熟導演的韻味與成績。導演自然呈現家庭面向，同時也與環境與景物所做的奇妙結合的手法，讓有些畫面真的是怪有神采。《拼貼幸福》看似一部平凡的家庭電影，但實質上從手法到深度都相當的特別且好看，讓我今年的金馬影展有了一個很驚喜的開始。

最近有一直有一種把事情搞砸的感覺，不免開始懷疑起自己的一些決定。從九月初開學到現在就一直有一種不太踏實的感覺，唯有看電影或是寫影評時才能夠讓我感覺踏實。前面提到的搞砸，最大的一件事情就是我前幾天才發現pixnet有選重我得到CNEX紀錄片的觀影證吧!原因很單純就是開學的忙碌以及我錯過了email，也因此不斷的罵自己是一個超級大笨蛋，雖說如此，不過我依然還是有去看這次的CNEX紀錄片影展(最早的時候我還是先買了一組套票)，而且看得很開心，雖說最近過的風風雨雨，有時喪氣有時灰心(還有迷茫，這點很重要)，不過對我而言最重要的依然是電影本身，那些Bad Day都能在我看到佳片時全部一掃而空，所以在此還是先謝謝Pixnet選中我為CNEX的觀影特派員(雖然我錯過了，飲恨!!)。首先，因為我看的沒有太多，我就挑我看得相當開心的三部來談就好，首先第一部就是張僑勇導演的《千錘百煉》，我很喜歡這部電影，同時也在此恭喜《千錘百煉》入圍了這次的金馬獎最佳紀錄片喔!!

坦白說，《千錘百煉》是一部對我有很大後座力的電影，雖說我看得十分投入與享受，但是影片的內容我想對年輕人(特別是懷抱夢想的有志青年)會有很大的影響力，看了有可能會非常打擊信心，至少我看完之後那股在心中的陰鬱情緒可是一直散不開。這部紀錄片聚焦在四川會理兩個拳擊少年以及一名教練，影片拍攝了許多他們的整個練習過程，為了達到更高的層級而不斷的練習，然而面對未來卻有不少的猶疑，無論是對自己的信心不足或是為了脫離貧困而打算打職業聯賽。《千錘百鍊》這部紀錄片非常貼近捕捉到了這些少年的細膩心理，尤其是對前途的擔憂或是面對比賽的壓力，都讓觀眾能夠感同身受，最讓人難以承受的是導演也捕捉到了這些少年失落的一面。

影片讓觀眾投入的程度真的是少見，我已經很久沒看紀錄片看得這麼的難過，主要原因是導演攝影機與被攝者之間的距離。在觀看整個《千錘百煉》的過程中，我的腦海中一直在思考的是導演到底是怎麼拍的，因為片中一些看似不太可能拍到的素材全被導演捕捉到了，好比說片中其中的一個少年，在會理的大賽中拿到了冠軍，所有的家人都很為他高興，這個心目中的偶像是拳王阿里的少年，在拳擊之路上都讓人抱持著期待，但是一方面教練告訴他真正的專業仍然還有一條遙遠的路等著他，同時面對著家裡的貧困，讓他不想待在四川，想直接嘗試職業聯賽，決定離開到外地發展的他，暫且先去當工人賺些錢，當他將他的決定告訴家人時，面對〝早知如此，就不要讓你打拳擊，而應該繼續念書〞的回應，默默的躲起來哭泣的畫面，通通都被導演收進影片當中。

這很詭異，因為這些多少涉及到極私密的對話或是心理的描繪，都在導演的鏡頭語言當中直視其中，無論是少年自身的心情或是家人的看法，都完全呈現出來，而更因為他是一部紀錄片，你很難只是坐在那邊很輕鬆的吸收電影傳達給觀眾的情感或訊息，這也是為什麼這部電影的影響力會很大的原因，當你如此切身與少年感同身受時，你很難把它當作一部輕鬆的電影來看待，那些難過與失落是沒有辦法輕易忽視的。想必導演花了許多的工夫貼近他的被攝者，因為看完《千錘百煉》我只有佩服與驚豔。

導演的鏡頭語言除了極為貼近之外，更詭異的是在他的敘事當中，多了一股詩意，使得這部電影並不因他的題材而陽剛，反而很溫柔很貼切。尤其是一場電影中的另外一名少年，在一場影響到它能不能踏上奧運選手道路一場重要比賽，當比賽開始時，電影卻只很快的拍到第三局，接著鏡頭一轉，轉向一座森林而當中一棵高聳的樹木緩緩的倒下，接著是他的家人，沒有對白也沒有特別的表情，只是盯著鏡頭外的某處罷了。而當鏡頭轉回去比賽會場時，我們唯一能看到的只剩比賽結果的宣判，就在短短的片刻之下，少年輸了，比賽結果已成定局。《千錘百煉》真的有些可怕，因為他除了反映出中國社會上，這些年輕人想要的憧憬或是生活是需要付出極辛苦的代價才能成功，而且面對著眾多人數的社會，要如何去競爭成了極大的壓力，我認為《千錘百煉》更可怕的一點，它很坦白的告訴你即便是多麼的努力，千錘百鍊般的練習都不一定能成功，而那決定你的前途的比賽(或是考試)卻又是如此的短暫，人生可能就只取決於這樣短的時刻，這些少年們所面臨的成敗對他們而言也許是人生的一大轉機，但卻是遙不可及且難以達到。

(此篇影評有雷，觀看前先注意此點)

奧利佛史東毫無疑聞是個有企圖心的導演，確實也有好幾部作品都是可看性相當高有深受肯定的電影，不過自90年代以降，他的電影不再那麼得到很高的評價，而它作品裡常有的一些沙文觀點成了他一貫創作以來讓人難以忽略的一大毛病。坦白講，《野蠻告白》並不是一部令人看的多麼滿意的電影，不過我們多少可以看到奧利佛史東一些很具突破性的部分，在這些混亂又失焦的篇幅中，其實你還是很難忽略了這位名導的龐大野心，而這部分會讓人聯想到他的早期作品，雖然仍未回到早期作品的高度，但某些過往的七魂六魄也許能讓人繼續對這位導演抱持著些許的期待。

影片以一對兩男一女的三人行為主角，他們擁有種出極佳大麻的技術，卻也因此吸引了黑道集團的注意力，企圖與他們合作共同開創市場，但不願意與黑道掛勾的主角們在即將逃離的前一刻，女主角卻被黑道綁架，接著事情開始產生變化，劇情也走向曲折黑暗且黑吃黑的面向。簡單來看的話這是一部關於性、金錢、毒品的犯罪動作電影，從他刻意開展出的龐大且複雜的角色線證明了這是一個極有野心的劇本，甚至在影片的最後都有企圖利用電影語法要創造兩種結局的可能，但明顯弟奧利佛史東在駕馭這個劇本上明顯暴露了他的些許缺點，使得整部電影讓人看了是頗為失望。不過若因此否定了整部電影也有些可惜，畢竟這部電影的語法還有某些部分可以說是相當的有野心。

先論缺點好了，整部電影大概開演個半小時，史東向來的狹隘觀點已經完全顯現在劇情與角色設定上，演技很好的班尼西歐狄特羅(Benicio Del Toro)在這部電影裡飾演暴力殘忍的Lado，從演法到演員自身的國籍明顯的告訴我們這個角色不是美國人(班尼西歐是波多黎各人)，飾演黑道集團的首領教母的莎瑪海耶克(Salma Hayek)明顯也不是美國人，也就是說這部電影在犯罪集團的描繪上幾乎可以說是一種很過分的刻版印象，影片沒來由的就將毒品交易或是黑幫暴力都直接連結到外來族群上頭，很多時候在美國電影裡，這樣的刻版印象顯現了一種美國主觀式的認定，也容易使觀眾有先入為主的印象，對於其他文化或是人民都是一種很粗暴的對待方式。不過我們撇開這點不談，畢竟這是很多美國電影的通病，這部電影最大的問題倒不在此。

影片由飾演O的布萊克蕾芙莉的旁白，娓娓道出這整個故事的樣貌，甚至表示雖然自己是說故事的人不代表她就會活到最後，這樣的開頭吊足了觀眾的胃口。影片的前半段堪稱好看，不過隨著影片進行到中段，流暢度明顯得不夠，主要原因是整部電影的支線與角色都相當的多，而奧利佛史東明顯在對感情的處理上力有未逮，轉折的處理也不夠，最後就只能依靠沒有太多魅力的旁白語重心長的告訴觀眾整部電影的發展，連帶眾多可發展的角色與劇情也就顯得莫名其妙或是毫無下文，後半段簡直就是混亂一字可以形容。

最近正巧剛看了克里斯多夫何內的《巴黎小情人》，有著些許的想法才打了這篇心得。第一次認識克里斯多夫何內這個導演是從《巴黎小情歌》開始，最近他的新作《最愛小情歌》才剛在台灣院線上放映過，我沒有去戲院朝聖這部電影，不過倒是在DVD店借了《巴黎小情人》，兩者都有類似的卡司，同樣談論愛情的難題，所以我覺得兩部很適合放在一起討論，即使有著類似的題材或演員，但是兩部電影給我的感覺卻是截然不同的。

克里斯多夫何內的《巴黎小情人》的引進應該要拜《巴黎小情歌》所賜，畢竟克里斯多夫何內之所以開始為台灣觀眾所熟悉便是《巴黎小情歌》的成功，雖然最近上映的《最愛小情歌》挾帶著坎城閉幕片的名氣，不過克里斯多夫的電影在台灣的市場之所以能讓片商有信心還是歸功於《巴黎小情歌》。這部《巴黎小情歌》從頭到尾看著俊男美女大唱法國香頌情歌，唱出愛情三人行不行，後半段卻又唱成甜蜜的同志戀曲，光是影片對愛情性別的開放程度就一定有著它引人討論(或爭議)的所在，但是在影片輕快宜人的節奏之下，讓這部內容實際上可能有些沉重的電影成了很討觀眾喜愛的類型。同時影片的形式或是風格卻又有著法國舊片的味道，讓人聯想到楚浮(勢必有向他致敬的意味)，刻意分開的三個章節與歌唱的元素也讓人想到傑克德米的《秋水伊人》。

這些刻意復古或致敬的元素在《巴黎小情歌》中，透過現代的愛情難題以及性別多元的元素反而有了新的味道與詮釋。Ismael與Julie是一對交往已久的愛侶，然而愛情缺少了火花進入了倦怠期，於是找來同事Alice嘗試三人行。過去《秋水伊人》中第一章叫做離別，電影中的情侶面對的問題是因戰爭而被迫的分離，在《巴黎小情歌》裡頭所發生的問題似乎更貼近現代，當愛情中的激情與火花都喪失時那該怎麼辦?乍看之下復古的章節設定，闡述的劇情與內容卻貼近現代人疏離的氛圍。這也讓人不禁思考一開頭所帶出的題目離別，是指女主角Julie的快速出場，抑或著是指愛情上的逐漸分離呢?

影片的第二章叫做缺席，這部分很有意思，我們看到影片中的Ismael相當的難過悲痛，連回家整理女友遺物都做不到，此時Julie姊姊卻出現了，她看似關懷Ismael的舉止雖然貼心，卻讓人懷疑動機匪淺，明顯有這層懷疑的不止觀眾，連男主角都為了逃離姊姊騷擾，於是暫時住進了Alice新交的男友的家中，卻沒想到男友的弟弟Erwann打從第一眼見到Ismael便對他傾心不已，展開了極度熱情的追求攻勢。好複雜的情節呀!突然之間主角周圍的人彷彿都愛上了俊美的男主角，飾演此角的Louis Garrel本來就是許多人心目中的帥哥，導演克里斯多夫何內也幾乎是部部都跟他合作，彷彿著迷於這位演員一樣，在《巴黎小情歌》裡頭的劇情也是一樣，所有愛上Ismael的人都企圖進入他的心房，貼近他的生活，打破他內心中那深沉宛如冬日的哀愁。第二段的缺席，乍看之下的表面意義是指女主角的缺席，然而看到後頭，這裡所指的缺席根本是指男主角在裡頭的位置，做為一個男友，他不願面對傷痛，不願面對必須整理的女友遺物，無法接受女友的離去，甚至弔詭的是他還在外頭尋找一夜情來安慰自己，最後更隨著愛上他的男孩Erwann發生了關係。這是因為太過難過不願面對的逃避，又或是他與Julie之間早已開始在遠離彼此呢?主角的行為是能夠因此而受批評的嗎?更重要的是面對死亡我們應該持以怎樣的態度呢?

導演的用意應該是要我們放下歧見或是道德標準來看待這一切，以更包容的態度看待著愛情的流轉與離去，用更包容的態度來接受死亡，我想這也是第三段歸來的用意吧!Ismael與Erwann發生了關係，從愛情難題唱成同志戀曲，接著我們看到男主角終於到女友的墓前去，然而此時唱起的情歌卻是不停的質問愛情的分量，愛情的熱度歲者時間而被沖淡，而愛情的流轉卻又是如此輕易，人人都有難解的愛情難題，最後那一句"愛我久一點，但愛我少一點"成了本片的一個絕佳註腳，道出了一段愛情關係隨著時間所必然面對的問題，精確的指出了這部電影中Ismael所面臨的處境。我還蠻喜歡《巴黎小情歌》的內容，不流俗有新的觀點，運用復古的元素卻有現代的詮釋，當然你能不能接受他的觀點勢必會影響你對這部電影的好感，Ismael最後投入Erwann的懷中的劇情安排，也帶出了感情的多樣與可能性，在這個從一開始就對他一見鍾情的男孩身上，從新再找回了愛情，如果我們用更包容的態度去接受這樣子愛情的可能與變化，想必更能夠體會這部電影導演企圖闡述的內容。

洛伊安德森的電影真的是很妙!很久以前就有聽過他的電影，所以他的代表作是我這次北影鎖定一定要看的電影。他的作品從各方面來看都是獨一無二的，在他那些精雕細琢的畫面以及破碎的敘事中，隱隱透露了一種人生的樣貌，在極度荒謬的情境當中，不時竄出一股極強大的幽默感，看他的電影絕對不會無聊，永遠都有新的驚喜等在後頭。

先從我第一部看的《二樓傳來的歌聲》談起，這是他離開電影圈很久之後才又端出的作品，後來在坎城拿下了評審團獎。從一開場這部電影就十分的神奇，一個男子對正在做日光浴美容的上司報告股價大跌的訊息，畫面感十足強烈又頗具荒謬感，宛如一幅超現實畫作，一名男子慘遭上司極度羞辱般的開除，一個魔術師的魔術秀差點把人砍成兩半，一個肥胖男子意圖藉由燒光店鋪詐領保險金，路上總是動不動就有一群人示威抗議經濟崩潰，整個城市永遠都在塞車，所有的人都不知道要到什麼地方去。洛伊安德森的角色與人物之間不見得存有什麼關聯，但都是一個社會裡的悲慘小人物，每個人的處境都如同塞車或是揹著十字架的耶穌一樣，肩上有著難以承受的壓力，同時也宛如陷在泥沼一般無法動彈。

整部電影打從色調到形式都是一種很冷冽的基調，不時因為極度荒謬的情境而竄出一股極強的幽默感，而一鏡一景的拍攝方式也宛如一種生命切面一般，洛伊安德森就像是一個拿著放大鏡針對人類社會的觀察家與研究家。《二樓傳來的歌聲》給我的感覺是一種關於社會的悲觀與戲謔，像是一個未來寓言一般，尤其是後半段一群金融專家在一棟高樓裡開會討論金融危機，但在其中夾雜著一名占卜師，而那些專家不時傳遞著一顆水晶球，看似理性當中卻流露出一股瘋狂，我們也無須意外後面甚至更有一場集結金融專家與宗教人士合力將一個小女孩當作獻祭品把他推下山崖。

《二樓傳來的歌聲》明顯是一股悲涼與死亡的氛圍，隱隱之中表現了人類的老年與死亡，必然有的最終與悲傷，有一種恆久悲觀的感覺，但奇異之中呈現的是最寫實的人性，是啊!人其實是很荒謬的一種生物呢!後來的二部曲《啊!人生》相形之下稍微可愛了一些。影片的內容不像在描繪社會，反而更著重的是心理面，對生命態度的描繪，一名自怨自艾的女子，哀怨著世上沒有任何人了解她，一個女孩深深的愛上了一名樂手，夢到了一個美妙又奇異的夢境，風雨交加的天氣，一名男子想找躲雨的地方卻找不到，一個樂隊為了遊行表演而練習，每一個畫面每一個角色都在做著無意義的事情。

《啊!人生》明顯與《二樓傳來的歌聲》不同，內容上他顯得更為平凡，不像是一個寓言，更像是一個對單純人類的生命樣貌的描繪，沒有社會體制上的描述，只是人類對自己生命與感情的態度，有悲有喜，依然有著洛伊安德森絕妙的幽默感與荒謬。而那一景一鏡的製作方式不僅耗時又耗錢，更驚人的一點在於整部電影幾乎都是室內搭景，即使我們原先以為是室外拍攝的部分也都是人手工製作出來的場景，整部電影可以說是一部手工電影，絲毫不借助任何特效的幫助，像一個畫家一般精雕細琢著他的作品。在關於洛伊安德森拍攝《啊!人生》的紀錄片《人生如是》可以看到這部電影那令人驚訝的製作方式，而這樣的製作方式也透露出了一種極為藝術家的自覺，也揭露了洛伊安德森的不凡之處，很適合與《啊!人生》一同觀賞。